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Arte + Diseño. Ingenio, humor y WOW

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SalonAD.1-Molly-Hatch-Todd-Merrill-Studio

En Nueva York, miles de conocedores del arte, coleccionistas, propietarios de galerías (y su personal), diseñadores de interiores se reunieron en Park Avenue Armory para recaudar fondos para organizaciones benéficas.

En algunas noches frías de noviembre en Nueva York, miles de adinerados conocedores del arte, coleccionistas, propietarios de galerías (y su personal), diseñadores de interiores y otros a los que les gusta un gran cóctel y unos impresionantes objetos de arte, se reunieron en el parque. Avenue Armory a OMG, OOO y AhAha sobre obras originales de gran belleza (y excelentes precios) para recaudar dinero para organizaciones benéficas (incluidas Dia Art Foundation y Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique e InCollect participaron como patrocinadores del evento.

Cincuenta y seis propietarios de galerías de 11 países (incluidos EE. UU. Europa, Reino Unido, Alemania, Bélgica, Francia, Dinamarca, Italia, Mónaco, Países Bajos, Sudáfrica, España y Suecia) de 30 galerías internacionales presentaron un enfoque global. al modernismo. El Salón exhibió (para su compra y admiración) muebles históricos, modernos y contemporáneos, diseños originales y arte de finales del siglo XIX y XX.

 Valor de la economía creativa

En 2015, el valor de la producción artística y cultural en los EE. UU. Fue de $ 763.6 mil millones, lo que representa el 4.2 por ciento del producto interno bruto. Las artes contribuyeron más a la economía nacional que la construcción, la minería, los seguros, el alojamiento y las industrias de servicios alimentarios.

  • Los artistas creativos son un activo económico en los EE. UU. Y en 2015, gracias a los artistas, EE. UU. Tuvo un superávit comercial de $ 20 mil millones en artes y bienes culturales (Estados Unidos exportó $ 63.6 mil millones e importó $ 42.6 mil millones en arte y cultura).

 

  • Los consumidores de la Economía Creativa gastan más de $ 102.5 mil millones en las artes, incluidos bienes y servicios, boletos de admisión, comida, alojamiento y obsequios (2017).

 

  • El sector de las artes y la cultura proporciona una gran cantidad de puestos de trabajo (4.9 millones en 2015), lo que representa el 3 por ciento de todos los empleos de EE. UU., Que, en conjunto, pagaron a los trabajadores $ 372 mil millones.

Los estados prosperan a partir de las artes

Entre los estados, las artes representan la mayor parte de la economía de Washington, el 7.9 por ciento o 35.6 millones de dólares. Dependiendo de la industria del cine y la televisión, la economía del arte de California genera la mayor cantidad de dinero entre los estados, con $ 174.6 mil millones (7 por ciento).

Nueva York ocupa el segundo lugar en ambas categorías, y las artes aportan 114.1 mil millones de dólares (7.8 por ciento) a la economía. Los 462,584 trabajadores artísticos del estado ganaron colectivamente $ 46.7 mil millones (2015).

Delaware es el país que menos depende de las artes, que comprenden solo el 1.3 por ciento de la economía del estado, o $ 900 millones.

El evento: Salón de Arte + Muestra de Diseño

Dado que muchos artistas exhiben sus obras más recientes en este evento, aparece en la parte superior de la lista de "cosas por hacer" del mundo del arte. Me hubiera gustado adquirir casi todas las piezas que se exhibieron, pero el tiempo, el espacio y los recursos limitados prohíben esta actividad; sin embargo, puedo recomendar "algunas de mis cosas favoritas".

Selección curada

  1. Molly Hatch. Estudio de Todd Merrill & Associates. Nueva York

Molly Hatch trae el WOW al arte contemporáneo. Ella ha transformado lo que había sido un cliché (platos pintados colgados en la pared, populares en la década de 1940) y convirtió el concepto en obras de arte coleccionables que se ajustan al estilo de vida millennial (móvil, sin trabas y cambiante).

Colgar platos era una forma tradicional de exhibir vajillas decorativas y ha sido parte de muchas culturas desde Europa hasta Asia. Hace siglos, las elaboradas exhibiciones de platos en una casa eran un signo de riqueza y alto estatus social.

Hoy, Hatch diseña sus platos para colgarlos en las paredes, de modo que puedan ser observados y admirados. Su paladar sobredimensionado e impulsado por el color anima a los espectadores a reconsiderar lo que es nuevo y lo que es ahora; lo que era ordinario ahora es extraordinario.

Hatch nació en 1978. Su madre era pintora y su padre, un productor lechero orgánico. Estudió dibujo y cerámica, obteniendo su BFA de la Museum School en Boston, MA. Después de la universidad, trabajó con la alfarera Miranda Thomas en Vermont y las residencias de cerámica continuaron en los Estados Unidos y las Indias Occidentales. Su maestría en cerámica es de la Universidad de Colorado, Boulder. En 2009 obtuvo la residencia en Artes / Industria en Cerámica en el Centro de Artes John Michael Kohler en Wisconsin.

Hatch trabaja actualmente desde el estudio de su casa en Northampton, MA. Además de la cerámica, es escritora, artista-diseñadora y crea patrones de telas, muebles, joyas, grabados, dibujos a pluma y tinta y pinturas. Se inspira en las tendencias históricas en telas, fuentes, cerámica y muebles, reconociendo un estilo de vida contemporáneo que incluye guiños al hip-hop, letras de canciones independientes, mensajes de texto y coloquios colectivos.

  1. Hubert Le Gall. Galería del siglo XXI

Sillón Maxou (2018)

 

El diseñador francés Hubert Le Gall nació en Lyon en 1961. Estudió administración en la universidad y, al graduarse, se mudó a París (1983). En 1988 comienza a pintar y esculpir, diseñando muebles que traspasan fronteras, vinculando lo poético y lo fantástico con lo funcional.

Se inspira en lo surrealista pero con susurros (y gritos) a las civilizaciones griega y romana, al siglo XVIII francés, al Imperio, al Art Nouveau y al Art Deco. También se ha inspirado en Salvador Dali, Jean Cocteau, los surrealistas y Max Ernst.

Su trabajo ganó el aplauso internacional en 1995 cuando fue descubierto y promovido por la galerista Elisabeth Delacarte. Su primera exposición fue en la Parisian Galerie Avant-Scene y las obras expuestas (incluidas las mesas de margaritas y los inodoros de flores) se han convertido en un tesoro como sus piezas emblemáticas.

  1. Rich Mnisi. Sudáfrica

 

Rich Mnisi, nacido en Sudáfrica, comenzó su empresa en 2014. Es reconocido como líder en la ciencia de la moda y reconocido como el Diseñador Joven del Año de Africa Fashion International (2014).

La seductora silla de cuero de Mnisi toma la forma de Nwa-Mulamula (The Guardian) que representa la presencia de su bisabuela. Es su existencia y sus enseñanzas las que perduran para siempre a través de la narración, generación tras generación. El taburete, en forma de ojo con charcos de oro, ”… representa sus lágrimas, que nunca fueron en vano. Sin su dolor y sus experiencias, yo no existiría. No podría ser la persona que soy hoy ”(Rich Mnisi).

Las formas sensuales son atemporales y su esencia es exclusivamente africana mientras que es universalmente fascinante.

  1. Reinaldo Sanguino. Galería Future Perfect. Nueva York.

 

Reinaldo Sanguino nació en Venezuela y actualmente trabaja en la ciudad de Nueva York. Sus piezas de arte y cerámica rinden homenaje a la vitalidad de su entorno y cada pieza única utiliza el medio de la arcilla como estructura y lienzo.

Sanguino se graduó de la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas en Caracas, Venezuela. Desarrolló su técnica basándose en su interés por la porcelana de Meissen y su importancia en la historia europea. Está inspirado e influenciado por la pintura estilo graffiti y su trabajo llama la atención por los colores vibrantes, las texturas y los materiales maleables.

En 2007 fue nominado para el premio de la Bienal Louis Comfort Tiffany y uno de los artistas que participaron en la 5ª edición de la Bienal 2007-2008 de El Museo del Barrio, “the (S) Files” en la ciudad de Nueva York.

Las obras de Sanguino han estado expuestas en la Sultan Gallery, como parte del Dean Project New York; el Museo de Arte y Diseño de Nueva York; el Museo de Bellas Artes de Houston, Texas; el Museo MINT en Charlotte, Carolina del Norte y el Instituto de Artes de Minneapolis, Minneapolis, Minnesota. Hizo su Design Miami / debut con The Future Perfect (2017).

  1. Pamela Sabroso y Alison Siegel. Galería Heller. Nueva York

Pamela Sabroso recibió su BFA en Artesanía y Estudios de Materiales de la Virginia Commonwealth University (2007) y Alison Siegel recibió su BA en Bellas Artes de Alfred University (2009). Actualmente viven y trabajan en Brooklyn, Nueva York.

Comenzaron a trabajar juntos en 2014 y descubrieron que sus ideas surgen y se fusionan a través de dibujos, discusiones y lo físico de trabajar juntos. En conjunto, son aventureros y aportan una nueva calidad fresca y única a cada objeto que crean. Los trabajos finales son divertidos, ingeniosos, animados, poco convencionales y entrañables. Definitivamente trabajando en el siglo XXI, comparten una libertad creativa que tiene sus raíces en el primer movimiento American Studio Glass.

Los trabajos, que requieren mucha mano de obra, comienzan con la fabricación de piezas y moldes de cera para soplar vidrio y se extienden al soplado de vidrio. Sabroso, hablando de su trabajo con Siegel, “… para ser creativo tienes que permitirte ser vulnerable. Cuando eres honesto acerca de quién eres, revelas una perspectiva única y extraña. Nuestras creaciones combinadas son Stranger Together ".

  1. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Bellas Artes. Nueva York

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Wright nació en Richland Center, Wisconsin (1867). Durante su carrera de 70 años como arquitecto, Wright creó más de 1100 diseños. Aunque ingresó en la Universidad de Wisconsin (1885) y estudió ingeniería civil, pronto se sintió insatisfecho con este campo. Cuando trabajó para Joseph Silsbee en la construcción de la Capilla de la Unidad, se dio cuenta de su pasión por la arquitectura, por lo que se mudó a Chicago y fue aprendiz del estudio de arquitectura Adler and Sullivan, trabajando directamente con Louis Sullivan (1893).

Luego se mudó a Oak Park, Illinois y comenzó a trabajar desde el estudio de su casa, donde desarrolló un sistema de diseño desarrollado a partir de unidades de cuadrícula con un enfoque en materiales naturales que se conoció como Prairie School of Architecture.

Durante las décadas de 1920 y 1930 pasó su tiempo enseñando y escribiendo. En 1935 comenzó a trabajar en Fallingwater, su diseño residencial más famoso. En las décadas de 1940 y 1950, se centró en los diseños usonianos que reflejaban su creencia en la arquitectura democrática, ofreciendo opciones residenciales de clase media.

En 1943 diseñó el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York. El museo se inauguró en 1959, seis meses después de su muerte y es conocido como su obra más significativa.

La Galería de Bellas Artes Bernard Goldberg en Nueva York se inició en 1998 por un abogado de Nueva York. Hoy en día, la galería se especializa en arte estadounidense (1900-1950), que incluye pinturas, esculturas y obras en papel de Ashcan, modernista, realista urbano, social realista y regionalista.

El Hoi Polloi asistiendo al evento

 

Busque el Salón en noviembre de 2019. Haga sus reservaciones con anticipación ... este es un evento estelar para cualquiera que encuentre fascinantes los mundos del arte y el diseño.

© Dra. Elinor Garely. Este artículo protegido por derechos de autor, incluidas las fotografías, no se puede reproducir sin el permiso por escrito del autor.